Edycja 2023

29. Międzynarodowy Festiwal Sztuk Performatywnych A Part
Katowice, 16-25 czerwca 2023

PROGRAM

16.06 piątek

18:00 Kinoteatr Rialto
NAWROCKI & DOBRZY LUDZIE
[koncert/otwarcie festiwalu]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.
Rezerwacje:rezerwacja@rialto.katowice.pl.
Koncert odwołany z powodu choroby artysty.
W zamian zapraszamy na kameralne otwarcie festiwalu,
które uświetni lapidarium muzyczne z udziałem:
Marie-Suze Jean-Baptiste (Mambo Nini) z Haiti,
Lekso Gremelaszwiliego z Gruzji
oraz Marcina „Cozera” Markiewicza. 
Wstęp wolny.

20:00 Teatr Ateneum, Galeria
MONIKA WACHOWICZ & JAROSŁAW FRET
Kairos/καιρός
[teatr fizyczny i wizualny/instalacja] +16
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

17.06 sobota

12:00-18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART & CZULI BARBARZYŃCY
Sen Ariadny
[doświadczenie teatralne dla 1 widza] +18
Bilety w cenie 100 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

20:00 Sala teatralno-kinowa, Pałac Młodzieży
STEAM ROOM (Bułgaria, Macedonia, Hiszpania)
dragON aka PHOENIX
[teatr tańca]
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

18.06 niedziela

12:00-18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART & CZULI BARBARZYŃCY
Sen Ariadny
[doświadczenie teatralne dla 1 widza] +18
Bilety w cenie 100 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

20:00 Teatr Ateneum, Galeria
MONIKA WACHOWICZ & JAROSŁAW FRET
Kairos/καιρός
[teatr fizyczny i wizualny/instalacja] +16
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

19.06 poniedziałek
18:00 Sala koncertowa, Katowice Miasto Ogrodów
MARLENA NIESTRÓJ
Pieśń ćmy
[przedstawienie solowe]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

20:00 Teatr Korez
NATALIA CHYLIŃSKA & KATARZYNA PASTUSZAK
Anatomie
[performens/spektakl intermedialny] +18
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

20.06 wtorek

18:00 Sala koncertowa, Katowice Miasto Ogrodów
ANNA STELLER
Przemieszczenie
[performens] +18
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

20:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
NINA BATOVSKAYA & MAJA MIRO (Ukraina, Polska)
Cichy i delikatny performance, w którym Maja gra, Nina mówi, a Lilli dobrze sobie radzi
[teatr/performens]
Bilety w cenie 50 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

21.06 środa

18:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
AURORA LUBOS
Akty
[performens/instalacja]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

22.06 czwartek

18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART
Trzy Cztery
[teatr fizyczny i wizualny] +18
Bilety w cenie 70 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

20:00 Teatr Korez
TYGR V TISNI (Czechy)
Zlin
[teatr lalki i przedmiotu]
Bilety w cenie 60 zł do nabycia w kasie Teatru Korez.
Rezerwacje: web@korez.art.pl.

23.06 piątek

18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART
Trzy Cztery
[teatr fizyczny i wizualny] +18
Bilety w cenie 70 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

20:00 Sala teatralno-kinowa, Pałac Młodzieży
BURKICOM (Czechy)
Ostrov!
[teatr tańca/nowy cyrk]
Bilety w cenie 70 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

24.06 sobota

13:00-16:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
MARTA LADJANSZKI & ZSOLT VARGA (Węgry)
Kreatywny plac zabaw dla dorosłych
[warsztaty taneczne]
Bilety w cenie 80 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

18:00 Boisko Uniwersytetu Śląskiego
MAGI SERRA & ANAMARIA KLAJNSCEK (Hiszpania, Słowenia)
COSSOC
[teatr tańca/nowy cyrk]
Wstęp wolny.

20:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
CIE. MARTA LADJANSZKI (Węgry)
UMARMUNG
[teatr tańca] +18
Uwaga! Spektakl naturystyczny. Obligatoryjna nagość widzów.
Bilety w cenie 70 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

25.06 niedziela

18:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
VIA NEGATIVA (Słowenia)
100 Toastów
[performens] +18
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Na czerwono zaznaczono przedstawienia cyklu Perform(ing) Poland,
przygotowanego w ramach festiwalu przez Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu.

Organizator festiwalu: Stowarzyszenie Teatralne A Part

Dofinansowano ze środków Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego pochodzących z Funduszu Promocji Kultury – państwowego funduszu celowego.


Partnerzy:
Katowice Miasto Ogrodów. Instytucja Kultury im. Krystyny Bochenek
Instytut im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu



Współpraca:
Ibis Budget Katowice, Kinoteatr Rialto (Instytucja Filmowa Silesia Film), NOVÁ SÍŤ w Pradze, Pałac Młodzieży w Katowicach, Teatr Korez w Katowicach, Teatr Lalki i Aktora Ateneum w Katowicach, Uniwersytet Śląski w Katowicach

Patronat i wsparcie medialne:
Antyradio, Dziennik Teatralny, e-teatr.pl, „Gazeta wyborcza”, taniecpolska.pl, teatralny.pl, „Ultramaryna”, TVP Katowice

Dyrektor artystyczny festiwalu: Marcin Herich
Koordynatorka festiwalu: Monika Wachowicz

Projekt i przygotowanie materiałów graficznych: Marcin Stachoń
Zdjęcia na materiałach promocyjnych, pochodzące ze spektaklu „Trzy Cztery”: Maciej Dziaczko

INFORMACJE O WYDARZENIACH FESTIWALU

16.06 piątek
18:00 Kinoteatr Rialto
NAWROCKI & DOBRZY LUDZIE
[koncert/otwarcie festiwalu]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia w kasie Kinoteatru Rialto.
Rezerwacje: rezerwacja@rialto.katowice.pl.
Koncert odwołany z powodu choroby artysty.
Zapraszamy na kameralne otwarcie festiwalu. Wydarzenie uświetni krótkie lapidarium muzyczne z udziałem Marie-Suze Jean-Baptiste (Mambo Nini ) z Haiti, Lekso Gremelaszwiliego z Gruzji oraz Marcina „Cozera” Markiewicza. 
Wstęp wolny.

Grzegorz Nawrocki – polski wokalista i gitarzysta rockowy, człowiek instytucja trójmiejskiej sceny niezależnej. Przez blisko dwie dekady był liderem popularnej, avant-popowej grupy Kobiety, znanej m.in. z takich utworów jak „Marcello“, „Łajka” czy „Bohater gorących romansów”. Pojawił się gościnnie na kultowej płycie zespołu Kury „P.O.L.O.V.I.R.U.S.” i wziął udział w głośnym projekcie Yugoton. Wraz z Anną Lasocką (jako Warszawa Gdańska) zaśpiewał w utworze Brygady Kryzys pt. „Centrala” (2002) i utworze zespołu Maanam pt. „Lucciola” (2003). W ostatnich latach, jako autor inteligentnych, śmiałych i bardzo osobistych piosenek, Nawrocki rozwija również swoją solową karierę. W ubiegłym roku ukazał się jego kolejny album „Moja mama ma depresję i siedem innych piosenek o miłości”, który zebrał znakomite recenzje i został wyróżniony w podsumowaniu tygodnika „Polityka”. W ramach trasy promocyjnej płyty artysta zagrał szereg kameralnych koncertów w prywatnych mieszkaniach w całej Polsce.

Na otwarcie tegorocznego festiwalu A Part trio Nawrocki i Dobrzy Ludzie zagra w składzie:
Grzegorz Nawrocki (Kobiety)- głos, gitara
Tomasz Ziętek (Mitch & Mitch)- piano, elektronika, trąbka
Jarek Marciszewski (Popsysze) – gitara elektryczna

Zdjęcie: Łukasz Suprun



16.06 piątek
18.06 niedziela
20:00 Teatr Ateneum, Galeria (przy ul. 3 Maja)
MONIKA WACHOWICZ & JAROSŁAW FRET
Kairos/καιρός
[teatr fizyczny i wizualny/instalacja] +16
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

Monika Wachowicz – aktorka, instruktor teatralny i pedagog, organizatorka imprez teatralnych. Występowała w przedstawieniach katowickiego Teatrem Cogitatur, współpracowała z duńskim teatrem Cantabile 2. Bierze udział w większości spektakli i projektów artystycznych Teatru A Part. Koordynuje Międzynarodowy Festiwal Sztuk Performatywnych A Part, prowadzi Studio Aktorskie przy Teatrze A Part. Od 2021 roku współpracuje z Jarosławem Fretem, z którym zrealizowała spektakle/performensy: „Okruchy”, „Szeol”, Kairos”, „Granica”. Prowadzi autorskie Studio Ciała i Emocji, jest prezeską Fundacji Sztuka dla Życia im. Marty Paradeckiej. Pracuje w Instytucie im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu, prowadzi zajęcia w Akademii Sztuk Teatralnych we Wrocławiu.

Jarosław Fret – reżyser, aktor teatralny i instruktor teatralny, założyciel i lider Teatru ZAR, wcześniej współpracował z Ośrodkiem Praktyk Teatralnych Gardzienice i Teatrem Pieśń Kozła. Wraz z aktorami Teatru ZAR odbył szereg podróży badawczych i wypraw do krajów Europy Południowej i Bliskiego Wschodu, prowadząc poszukiwania w obrębie najstarszych form muzyki chrześcijańskich kościołów wschodnich. Od 2004 roku dyrektor Instytutu im. Jerzego Grotowskiego we Wrocławiu. Pomysłodawca i koordynator licznych projektów realizowanych w Polsce i za granicą w ramach działalności Instytutu Grotowskiego. Był także wykładowcą PWST (obecnie: Akademia Sztuk Teatralnych) we Wrocławiu. Laureat licznych nagród i wyróżnień. Od 2021 roku współpracuje z Moniką Wachowicz przy realizacji ich kolejnych wspólnych projektów teatralnych.

Myśląc o καιρός, wracam do pierwszych uczuć, pierwszych emocji, do świata marzeń, powiązanych ze sobą w gordyjski węzeł, w którym wszystko się zawiera, a więc wszystko jest możliwe. Nie ma podziałów na noc i dzień, ziemię i niebo, białe i czarne, bogate i biedne, silne i słabe, co wolno, a czego nie wypada. Granica między lądem a oceanem zanika.
Kairos to miejsce, gdzie rzeczy stykają się ze sobą na wielu poziomach, nie naruszając jednak żadnej ze współistniejących ze sobą części. Jest niczym świątynia Anczischati w Tbilisi, gdzie słychać trzepot skrzydeł, spadające łzy z nieba i gdzie wszystko jest prawdziwe, ponieważ wierzę w to, co pochodzi ze mnie. Kiedy myślę o tym miejscu, dotykam opuszkami palców powietrza, oddechem kreślę słowa: teraz, zawsze. Moje serce zostało pchnięte sztyletem i rozpadło się na cztery strony świata, tam rodzi się καιρός. Pragnę, aby καιρός jako misterium spadania stał się misterium wolności.
καιρός – utkany z dźwięków tworzących wolierę uczuć
καιρός – tu po raz pierwszy zabrzmi „Hymn o miłości”
καιρός – dźwięki japońskiego bębna zastępują puls
καιρός – wszystko bez końca spada w dół niczym chmura łez w „O, Let Me Weep”
καιρός – oddycham, biegnę „aby wznieść się ponad fale czasu straconego”
Monika Wachowicz

Wykonanie: Monika Wachowicz
z udziałem:
Lekso Gremelaszwili (Gruzja) – pieśni gruzińskie
Bogna Szwajger – wiolonczela
Yatoriya Manao (Japonia) – bęben ko-tsuzumi, śpiew
Hanna Nowicka-Rożeń – alt
Marie-Suze Jean-Baptiste – Mambo Nini (Haiti) – pieśni haitańskie
Amelia Helena Mazur – dziewczynka
Fotografie na tkaninach: Joanna Nowicka
Aranżacje muzyczne: Leszek Kwaśniewicz
Aranżacja przestrzeni: Jarosław Fret
Premiera: 3 grudnia 2022

Zdjęcie: Maciej Dziaczko



17.06 sobota
18.06 niedziela
12:00-18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART & CZULI BARBARZYŃCY
Sen Ariadny
[doświadczenie teatralne dla 1 widza] +18
Bilety w cenie 100 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Teatr A Part jest teatrem autorskim reżysera Marcina Hericha, założonym w 2004 roku w Katowicach, realizującym autorskie przedstawienia sceniczne, działania site-specific oraz widowiska plenerowe. Teatr A Part jest teatrem ciała, ruchu, formy i narracji wizualnej. Przedstawienia A Partu zostały pokazane dotąd w 30 krajach na 5 kontynentach. Teatr A Part jest producentem i organizatorem odbywającego się od 1994 roku cyklicznego Międzynarodowego Festiwalu Sztuk Performatywnych A Part. Od 2016 roku Teatr prowadzi roczne Studio Aktorskie Teatru A Part.

Ariadna śpi. Już złowrogi Minotaur pokonany, uwięzieni w labiryncie Ateńczycy uwolnieni, a świetlana przyszłość bohaterskiego królewicza Tezeusza i zakochanej w nim sprytnej córki Minosa przypieczętowana. Podróżując z Krety do helleńskiej stolicy zatrzymali się tylko na chwilę, na wyspie Naksos, na noc i odpoczynek. I wydawałoby się, że nic nie zdoła pokrzyżować bajkowej parze szczęśliwych planów. Jednakże, gdy królewna zasypia, niewdzięczny i pyszny heros odpływa ku kolejnym przygodom, pozostawiając nieświadomą i samotną dziewczynę swojemu losowi. Wkrótce, zachwycony powabem śpiącej, bóg przyjemności Dionizos zaoferuje zrozpaczonej pannie pocieszenie, a ona je z wdzięcznością przyjmie. Tyle dowiadujemy się o śnie kreteńskiej królewny, niedokończonej podróży do Aten i jej okolicznościach, z mitu.
Inna, mniej znana wersja opowieści mówi, że król Minos nie pozwolił Tezeuszowi zbiec i schwytał młodzieńca. Mszcząc się za złamanie serca córce uwięził go w pustym labiryncie, w którym – tym razem pozbawiony pomocy Ariadny – ów błąkał się aż do śmierci.
A jeśli mityczna historia wyglądała jeszcze inaczej? Może Tezeusz nie zostawił Ariadny i nie odpłynął, bo tak naprawdę nigdy nie opuścił labiryntu, zabity przez potwora. A zrozpaczona i obwiniająca się o śmierć ukochanego królewna uciekła w niespokojny sen, by potem pogrążyć w orgiastycznej samozatracie, symbolizowanej przez boga wina (winy?) Dionizosa. Bo przecież, prawem kaduka i baśni, ta historia mogła wydarzyć się tak właśnie. I mogła wydarzyć się zupełnie inaczej.
Ariadna śpi. Co śni się dziewczynie? Co czai się w labiryncie jej umysłu? Czy sen podpowiada jej, co spotka ją po przebudzeniu? Czy sen jest radosny czy smutny? Czy śnią się jej powaby czy maszkary? A może alternatywne wersje mitu, powidoki rzeczywistości, które zapętlają się ze znaną nam/jej wersją tej i innych przypowieści? Sen wykoślawia i rozczapierza światy, przesuwa znaczenia, zamienia sensy, zwodzi logikę, tasuje prawdy. Miesza marzenia, fakty, przeczucia i koszmary.
Na wyspie Naksos, pozostawiona sama sobie, na progu żałoby i rozpusty, zdradzona (przez samą siebie, przez ukochanego, przez innych?) piękna, mądra, wrażliwa i jak nigdy bezradna Ariadna śpi i śni na jawie. I we śnie tańczy.
Marcin Herich

Spektakl „Sen Ariadny” to samotna podróż widza przez sen opuszczonej królewny. Przedstawienie jest instalacją performatywną, przygotowaną z udziałem adeptów trzeciej edycji Studia Aktorskiego Teatru A Part (Czułych Barbarzyńców). „Sen Ariadny” jest trzecią odsłoną cyklu przedstawień site-specific Teatru A Part dla 1 widza, po wcześniejszych: „Alicja w Krainie Czarów” (2017) i „Projekt Dante” (2019).

Pomysł, scenariusz, reżyseria, scenografia: Marcin Herich
Dowództwo nad Czułymi Barbarzyńcami, asysta reżyserska: Monika Wachowicz
Współpraca nad aranżacją przestrzeni i scenografią: Cezary Kruszyna
Współpraca nad scenariuszem i kostiumami: zespół
Występują: Alina Bachara, Mateusz Barczyk, Maciej Dziaczko, Anna Flora, Agata Fułat, Marcin Herich, Kinga Kaczmarzyk, Paulina Koniarska, Grzegorz Król, Cezary Kruszyna, Natalia Kruszyna, Aleksandra Lipowska, Zuzanna Łapka, Zoraya Niru, Krystyna Szymura, Monika Wachowicz, Marta Zielonka, Milena Sośnierz
Graffiti wykonał Andrzej „B. Saint” Bobola.
W spektaklu wykorzystano wiersz „Łzy Ariadny” oraz kompilację cytatów z innych wierszy Jarosława Marka Rymkiewicza.
W spektaklu wykorzystano reprodukcje kolaży Maxa Ernsta, pochodzących z cyklów „Kobieta stugłowa” oraz „Tydzień dobroci lub siedem żywiołów głównych”.
W spektaklu wykorzystano utwór „Path 5 (Delta)” Maxa Richtera oraz remiks utworów: „Supernatural” Cerrone, „Choose Life” PF Project, „Selected” Charlotte de Witte oraz „Hey Boy Hey Girl” The Chemical Brothers.
W spektaklu wykorzystano fragmenty filmów dokumentalnych o golcach pustynnych, pochodzące z zasobów Internetu.
Premiera: 20 maja 2023

Darío Barreto Damas – kanaryjski niezależny tancerz i choreograf pracujący w Sofii, Skopje, Sztokholmie i na Teneryfie. Studiował w Teatro Victoria na Teneryfie, Institut del Teatre w Barcelonie oraz DOCH w Sztokholmie. Współpracował ze szwedzkim zespołem tanecznym Cullberg oraz z CCAP i c.off (prowadzonym przez Cristinę Caprioli). Jest członkiem Lokomotiva (Macedonia), Interimkultur (Szwecja), Garage Collective (Bułgaria), PiedeBase (Gran Canaria) i TenerifeLAV (Teneryfa).

Zhana Pencheva – tancerka i choreografka z Bułgarii. Po ukończeniu edukacji w NBU w Sofii, brała udział w szeregu warsztatów i programów takich jak Nomad dance academy i DanceWeb. W 2018 roku wraz z Alexandarem Georgievem i Darío Barreto Damasem stworzła międzynarodowe trio artystyczne STEAM ROOM, które wystąpiło m. in. w Burgas, Sofii, na Teneryfie, w Skopje i Sztokholmie. Realizuje też własne projekty teatralno-choreograficzne.

„dragON aka PHOENIX” to malownicze show, w którym „powstrzymywanie się” nie wchodzi w grę. Wykorzystując bezpośredniość i specyfikę teatru muzycznego jako formę, spektakl problematyzuje potencjalną absurdalność w choreografii i tańcu. To wynik nadmiaru trzech płonących dusz czyli artystycznego trio: Aleksandar Georgiev, Zhana Pencheva i Darío Barreto Damas. „dragON aka PHOENIX” to narodziny supergwiazd.

„Chcesz, żeby byli wyżej, mocniej, głębiej, sprytniej, niegrzecznie, odważnie i wiecznie się całowali? Oni zrobią wszystko, co trzeba.”

„dragON aka PHOENIX” to drugi spektakl cyklu „dragON”, trylogii choreograficznej, której współautorami jest troje artystów, znanych jako kolektyw STEAM ROOM. Projekt dotyczy protestu i celebracji ciała na scenie drag, jednocześnie badając jej korelacje z tańcem i choreografią.

Choreografia i taniec: Aleksandar Georgiev, Zhana Pencheva i Darío Barreto Damas
Muzyka: Tsvetan Momcziłow
Tekst i wokal: Dragana Zarewska
Kostiumy: Mihaela Dobreva
Produkcja: STEAM ROOM and Garage Collective
Premiera: 9 kwietnia 2021

Zdjęcie: materiały prasowe



19.06 poniedziałek
18:00 Sala koncertowa, Katowice Miasto Ogrodów
MARLENA NIESTRÓJ
Pieśń ćmy
[przedstawienie solowe]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Marlena Niestrój jest założycielką Fundacji Paryż i od 2008 roku w jej ramach zrealizowała szereg projektów o charakterze interdyscyplinarnym, łącznie z 6 odsłonami autorskiego festiwalu Metavera Art Festival oraz wystawą sztuki polskiej w Berlinie w 2011 roku w ramach Prezydencji Polskiej w Radzie EU, pod patronatem Parlamentu Europejskiego.
Aktorka teatru fizycznego, tancerka, historyk sztuki, joginka. Ukończyła kierunek: Teatr, Taniec i Performance na uczelni Universite Jean-Jaures w Tuluzie we Francji; Historię Sztuki i Kulturę Mediów, specjalność: Widowiska Kulturowe na Uniwersytecie Śląskim w Katowicach, a także Jogę w Profilaktyce i Terapii w Górnośląskiej Wyższej Szkole Przedsiębiorczości w Chorzowie.
Jest współtwórczynią solowych spektakli Teatru A Part w Katowicach („Więzy”, „Święto wiosny”). Swoje zainteresowania stale rozwija, biorąc udział w warsztatach i szkoleniach, związanych z zagadnieniami pracy z ciałem, tańca, oddechu oraz głosu. Na co dzień działa także jako instruktor jogi. Zrealizowała szereg projektów, traktujących o kobietach w aspekcie społecznym, fizycznym i kulturowym.

Namiętność sprawia, że człowiek wznosi się nie tylko ponad samego siebie, lecz także ponad granice swej śmiertelności i ziemskości i – wynosząc go tak wysoko – niszczy go. […] Tęsknota ćmy do gwiazd nie dlatego jest czysta, że gwiazdy wiszą wysoko na niebie, ale dlatego, że jest to tęsknota ćmy, która żywiąc tak szlachetne aspiracje, wręcz przeczy swej naturze.
Carl Gustav Jung „Symbole i przemiany”

Co sprawia, że ćma ryzykuje tak wiele, by być blisko światła? Na czym polega ten taniec ćmy z płomieniem, taniec życia i śmierci, rozumu i instynktu? Co czuje ćma, gdy zbliża się do unicestwiającego spełnienia? A może kierują nią rozkosz poznania?
Ekstaza nie posiada tylko jednej odsłony. Może być narzędziem do wyładowania napięcia w ciele, osiągnięcia stanu szczęśliwości i radości albo środkiem do osiągnięcia harmonii między człowiekiem a absolutem. Może mieć charakter wizjonerski, intelektualny czy miłosny. Może być zarówno mistycznym czy filozoficznym doświadczeniem, bardziej lub mniej subtelnym, euforycznym lub naiwnym, bardziej cielesnym lub jedynie psychicznym. Pojęcie „ekstaza” poszerza więc swoje znaczenie poprzez doznanie psychiczne, rytualne i mistyczne, oddalając się tym samym od czysto fizycznego doświadczenia.
Spektakl „Pieśn Ćmy” jest przedstawieniem o naturze ludzkiej, która dając sobą zawładnąć ściąga na siebie pierwiastek boski, jednocześnie stwarzający i unicestwiający. Przedsięwzięcie to jest performatywno-tanecznym solowym spektaklem, opierającym się na indywidualnej ekspresji ruchowej. Jest to próba połączenia tańca emocji (skala ludzka) z przeżyciem mistycznym (skala boska).
Spektakl przenosi nas w symboliczną podróż do świata ćmy, której ślepe i nieroztropne dążenie do światła jest punktem wyjścia w rozważaniach nad naturą ludzką, doprowadzającą nas samych do samozagłady, wojen i destrukcji naturalnego środowiska.
Marlena Niestrój

Koncepcja, reżyseria, scenografia i wykonanie: Marlena Niestrój
Kostiumy: Sultana Atelier. Patrycja Osińska
Premiera: 5 listopada 2022

Zdjęcie: Rafał Sandecki

19.06 poniedziałek
20:00 Teatr Korez
NATALIA CHYLIŃSKA & KATARZYNA PASTUSZAK
Anatomie
[performens/spektakl intermedialny] +18
Bilety w cenie 60 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

Katarzyna Pastuszak jest tancerką/performerką, reżyserką i dyrektorką Amareya Theatre & Guests, adiunktką Zakładu Badań nad Sztukami Scenicznymi na Uniwersytecie Gdańskim, adiunktką CEMiPoS (Centre for Environmental and Minority Policy Studies) w Sapporo. Autorka książki „Ankoku butō Hijikaty Tatsumiego – teatr ciała-w-kryzysie”. Od 2008 regularnie współpracuje z artystami japońskimi, realizując projekty artystyczne na terenie Polski i Japonii. Jej spektakle prezentowane były m.in. na Grenlandii, w Japonii, Norwegii, Turcji, Izraelu, Niemczech, Francji, Rosji oraz na wielu festiwalach w Polsce. Od 2017 współpracuje z Menoko Mosmos (Stowarzyszenie Kobiet Ajnu w Sapporo) i profesorem Hiroshim Maruyamą (CEMiPoS), współtworząc spektakle z udziałem kobiet Ajnu.

Natalia Chylińska jest artystką związaną z Amareya Theatre & Guests, dwukrotną stypendystką Miasta Gdańska. W działaniach artystycznych porusza się pomiędzy pracą (z) ciałem/ruchem, tekstem, materiałem dźwiękowym i wizualnym. Współpracuje z Menoko Mosmos (Stowarzyszenie Kobiet Ajnu w Sapporo) i prof. Hiroshim Maruyamą (CEMiPoS), współtworząc spektakle z udziałem kobiet Ajnu.

„Doświadczenie dotyku niezbyt dobrze przekłada się na słowa, niezręcznie wyraża. Jest doraźne i jakby takim chciało pozostać, wyślizguje się spod zastępczych znaków i umyka wtórnym przywołaniom. W każdym razie konflikt między dotknięciem a słowami jest wyraźny”.
Jolanta Brach-Czaina, Błony umysłu

W roku 1774 wydano w Japonii „Kaitai Shinsho” – nowy podręcznik anatomii opracowany w języku japońskim z inicjatywy Sugity Genpaku. Za tekst źródłowy posłużyła publikacja autorstwa Johanna Adama Kulmusa (pierwotnie wydana po łacinie około 1722 roku w Gdańsku) „Tabulae Anatomicae”, w tłumaczeniu holenderskim („Ontleedkundige Tafelen”). Niemal 300 lat później, artystki z Gdańska szukają wielogłosowej anatomii. Zaglądają pod powierzchnię, otwierają szczeliny i nasłuchują szmerów, pomruków, wybuchów, osunięć, wibracji. Próbują uchwycić to, co żywe, (nie)nazwane – na styku ludzkiego i nieludzkiego.

Anatomie:
~to przyleganie do wybuchów, które rozrywają zastany układ
~to ożywianie tego, co zastygło w drodze na powierzchnię
~to wpuszczanie przez szczeliny
~to dotykanie skrystalizowanych w ciele osadów, pozostałości
~złożonych procesów akumulacji
~to ćwiczenie ze spekulacji
~to bliskość, która nie może nie być polityczna
~to próba osadzenia się w przestrzeni, która naruszyła delikatną tkankę intymności.

Koncept, reżyseria, choreografia, tekst, wideo, scenografia, kostiumy, dźwięk: Natalia Chylińska i Katarzyna Pastuszak
Wideo i współpraca przy realizacji światła: Piotr Nykowski
W spektaklu wykorzystywano nagranie „Poematu końca” Vasiliska Gnedova.
Premiera: 12 grudnia 2021

Zdjęcie: Tomoko Kasugi



20.06 wtorek
18:00 Sala koncertowa, Katowice Miasto Ogrodów
ANNA STELLER
Przemieszczenie
[performens] +18
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

Anna Steller – tancerka, performerka i choreografka, matka trójki dzieci. Absolwentka slawistyki na Uniwersytecie Gdańskim. Na scenie zaczęła występować w 1993 roku w Teatrze Dada von Bzdülöw, z którym współpracuje do dziś. Od wielu lat tworzy spektakle taneczne, akcje-performanse oraz performanse typu site-specific. Współpracuje z wieloma choreografami, reżyserami, artystami wizualnymi, takimi jak m.in.: Krzysztof Leon Dziemaszkiewicz, Anna Królikiewicz, Anita Wach, Maciej Salamon, Ramona Nagabczyńska, Tomek Bazan, Nigel Charnock, Rebecca Lazier. W 2005 roku stworzyła wraz z Magdą Jędrą. zespół teatralny Good Girl Killer.

Jako performerka koncentruje się głównie na przejrzystości przekazu, na radykalnych rozwiązaniach artystycznych. Interesuje ją praca w duecie, praca z artystami o innych obszarach zainteresowań, negocjacja na polu sztuki, z której rodzi się nowa, świeża jakość. Interdyscyplinarność tańca i sztuki scenicznej to obszar, który bada od lat, próbując zrozumieć i przekazać publiczności ważne dla niej treści i koncepcje.
Swoje prace prezentowała m.in. w Art Stations Foundation w Poznaniu, Maat Festival w Lublinie, Malta Festival w Poznaniu, L1 Contemporary Dance Festival w Budapeszcie, Body-Mind Warszawa, Open’er Festival w Gdyni, Four Days i Festival of Naked Forms w Pradze.

„Przemieszczenie”, według definicji antropologa kulturowego Richarda Schechnera, to proces, w którym wkracza się w jakieś przeżycie, jest się przez nie „poruszonym” lub „tkniętym”, a potem zostaje się porzuconym w okolicach tego samego miejsca, w którym się zaczęło. W performensie Anna Steller odniesie się do wydarzeń ze swojej przeszłości, a także stanów z teraźniejszości, próbując zmierzyć się z nimi z innej perspektywy po to, aby doznać owego stanu uniesienia, balansować na skraju tego, co prawdziwe i udawane, być w transie i jednocześnie być sobą, zjednoczyć się z widownią lub dostarczyć jej rozrywki.

Koncept, wykonanie: Anna Steller
Muzyka: Adam Witkowski
Kostium: Julia Porańska
Wideo: Maciek Salamon
Premiera: 3 listopada 2012

Zdjęcie: Andrzej Sip



20.06 wtorek
20:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
NINA BATOVSKAYA & MAJA MIRO (Ukraina, Polska)
Cichy i delikatny performance, w którym Maja gra, Nina mówi, a Lilli dobrze sobie radzi
[teatr/performens]
Bilety w cenie 50 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

Maja Miro jest gdańską multiflecistką, wykonuje muzykę improwizowaną dawną i współczesną. Tworzy autorskie projekty z udziałem fletów dawnych i nietypowych. Współpracuje z artystami reprezentującymi różne dziedziny sztuki: tancerzami, rzeźbiarzami, reżyserami teatralnymi, aktorami i muzykami.

Nina Batovskaya jest aktorką Teatru Śląskiego im. Stanisława Wyspiańskiego w Katowicach, rezydentką Teatru Zagłębia w Sosnowcu, a także aktorką Teatru Dramatycznego im. Tarasa Szewczenki i Niezależnego Teatru Nafta w Charkowie.

Nasz performance to studium przeżyciowe, emocjonalne dwóch kobiet, które w tym samym czasie znalazły się w sytuacji nagłej i skrajnej utraty poczucia bezpieczeństwa. To dialog dokumentalny, nazywający dźwiękiem i słowem stany psychiki, w które weszłyśmy po raz pierwszy. Wojna i rozwód. Poszukiwanie nowego miejsca do mieszkania. Codzienna ochrona czteroletnich dzieci. Nasze losy wiodły nas dziwnie równolegle. Przez rok obserwowałyśmy z uważnością ich wewnętrzną dynamikę. Doświadczyłyśmy zmian, które wiążą się z radykalnym przeformułowaniem tożsamości.
Równocześnie zauważamy, że ekstremalna intensywność przeżyć dała efekt paradoksalny: nasze spotkanie pokazało, że nie chcemy opowiadać wprost o intymnych i traumatycznych doświadczeniach. Dlatego w naszej pracy sięgamy do świata sztuki naiwnej, skontrastowanej z wyrażanym dźwiękowo światem snów.
Czy możemy pozwolić sobie na taki dystans w sytuacjach skrajnych? Czy jest on etyczny? Czy chroni nas, czy jest sygnałem ostrzegawczym, że dzieje się z nami coś „niewłaściwego”? Naszą odpowiedzią na wszystko powyższe jest delikatny i cichy performance, przestrzeń dialogu o reakcjach na sytuacje sprowadzające nas na granice psychiki.
Maja i Nina

Autorki: Maja Miro, Nina Zakharova Batovskaya
Premiera: 31 marca 2023

Zdjęcie: Justyna Żądło



21.06 środa
18:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
AURORA LUBOS
Akty
[performens/instalacja]
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: k.ilich@grotowski-institute.pl.

Aurora Lubos od 1997 jest związana z trójmiejską sceną tańca, współpracowała między innymi z Teatrem Tańca Gdańsk, Nadbałtyckim Centrum Kultury w Gdańsku, Bałtyckim Uniwersytetem Tańca, Teatrem Dada von Bzdülöw, Klubem Winda przy Gdańskim Archipelagu Kultury, Klubem Żak w Gdańsku, Specjalistycznym Ośrodkiem Wsparcia Dla Ofiar Przemocy w Rodzinie w Rusocinie. Od 2000 aktorka angielskiego teatru Vincent Dance Theatre.

„Akty” powstały w oparciu o prawdziwe historie osób dotkniętych przemocą w rodzinie. Spektakl jest moją odpowiedzią na przeczytane listy, rozmowy z ludźmi, którzy zaznali przemocy. Odpowiedzią inspirowaną warsztatami artystycznymi przeprowadzonymi w ośrodkach pomagających osobom doświadczającym przemocy, czyli najczęściej kobietom i dzieciom.
Podczas tych spotkań miałam możność poznać ich emocjonalność, delikatność i siłę.
Nie chcę wyrażać swojej opinii, chcę moimi działaniami pozwolić mówić tym, którzy nie są w stanie krzyczeć w swojej obronie, którzy w ogóle głosu nie mają.
A chcieliby powiedzieć o swoim zapętleniu, o niemocy, pragnieniu ciszy. Składają się na to kolejne akty – fragmenty tekstów, wyjścia, zanikanie, obrazy.

To nie ja mówię: „Jest mi wstyd, że tak jest… Jest mi wstyd przed rodziną, dziećmi, znajomymi, ludźmi w pracy, nawet obcymi, przechodniami, kupującymi obok mnie w sklepie… Te siniaki na twarzy, rękach, podrapana szyja, zachrypnięty głos, łyse placki na głowie, zapuchnięte oczy, rozkojarzenie, braki w pamięci… Jest mi wstyd – za siebie, że nic nie robię, albo prawie nic, aby to przerwać, za niego, że to robi…”.
Aurora Lubos

Reżyseria, choreografia, scenografia i wykonanie: Aurora Lubos
Muzyka: Motion Trio-Stars
Premiera: 22 czerwca 2012

Zdjęcie: Rami Shaya



22.06 czwartek
23.06 piątek
18:00 Scena/Atelier Teatru A Part
TEATR A PART
Trzy Cztery
[teatr fizyczny i wizualny] +18
Bilety w cenie 70 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Teatr A Part jest teatrem autorskim reżysera Marcina Hericha, założonym w 2004 roku w Katowicach, realizującym autorskie przedstawienia sceniczne, działania site specific oraz widowiska plenerowe. Teatr A Part jest teatrem ciała, ruchu, formy i narracji wizualnej. Przedstawienia A Partu zostały pokazane dotąd w 30 krajach na 5 kontynentach. Teatr A Part jest producentem i organizatorem odbywającego się od 1994 roku cyklicznego Międzynarodowego Festiwalu Sztuk Performatywnych A Part. Od 2016 roku Teatr prowadzi roczne Studio Aktorskie Teatru A Part.

„Trzy Cztery” to ciąg ruchowych i wizualnych fantasmagorii na cztery performerki i ich ciała, ruch, przestrzeń, dźwięk i światło. Tematem spektaklu jest kobiecość, przedstawiona jako połączenie tego, co wywiedzione z mitów, kulturowe i wyobrażone z tym, co współczesne, realne i ludzkie. „Trzy Cztery” jest trzecią część cyklu „4”, po powstałych wcześnie przedstawieniach „Cztery” (2018) i „Four More” (2021).
Każde z przedstawień kwadryptyku ”4” odnosi się do znaczeń i meta-znaczeń liczby cztery oraz związanych z nią motywów i opozycji: ciało-duchowość, ciepło-chłód, natura-kultura, biologia-materia nieożywiona, piękno-brzydota, stereotyp/przesąd- prawda, uczucia/emocje-intelekt.
Każde z przedstawień to autonomiczny wizualno-ruchowy rytuał i równocześnie egzystencjalny esej sceniczny o ludzkiej fizyczności, kruchości i sile, kobiecości i różnorakim rozumieniu piękna, seksualności i sensualności, przemijaniu i śmiertelności. W centrum zainteresowania twórców jest ciało, jego motoryka i estetyka, w czasie i w przestrzeni, w kontekście innych ciał i wobec samego siebie, jego możliwości i ograniczeń.
W każdym z przedstawień nagie ciała performerek konfrontowane są z metalem. Za partnerów, oprócz siebie nawzajem, służą im metalowe/stalowe formy, stanowiące główny element scenografii i rekwizyt. W „Cztery” są to wentylatory, w „Four More” blachy, w „Trzy Cztery” drabiny przegubowe.
Tytuł spektaklu „Trzy Cztery” niczego nie wyjaśnia i nie obiecuje. Odnosi nas do rytmu, którym chwilami tętni spektakl, a także do znaczenia wspólnego rozpoczynania i działania na „raz”, jak w wielu momentach synchronicznych kompozycji ruchowych. „Trzy Cztery”, ów krótki, kategoryczny sygnał do rozpoczęcia, do startu zdaje się skrywać w sobie także niepokój, obawę, co jest spójne z warstwą emocjonalną spektaklu. Jak również odniesienia eschatologiczne, obietnicę równie rychłego i gwałtownego jak początek końca. Odnosi nas też do symboliki liczb 3 i 4.
Liczba 3 zgodnie z tradycją numerologiczną jest liczbą sfery ducha, a więc tego, co wywiedzione z materii, z ciała, ale należy do świata niematerialnego, jak emocje i myśli oraz ich twory czyli kultura i metafizyka. Te zaś utrwala i uprzedmiotawia kultura materialna i sztuka. Liczbę 4 wiąże się z tym, co materialne, fizyczne, jak ludzkie ciało i szerzej, biologia, natura, cała materia ożywiona i nieożywiona. Stanowi zaś pośrednio i bezpośrednio źródło kultury i metafizyki. Obie sfery, pozornie przeciwstawne, przenikają się i dopełniają. Pełnię symbolizuje suma obu liczb czyli 7.
Konotacje te mają w przedstawieniu oczywiście wymiar nie hermeneutyczny i intelektualny, ale estetyczny i emocjonalny, dryfując ku abstrakcji, dając pierwszeństwo artystycznej i emotywnej stronie przekazu teatralnego i kompozycji. Pod powierzchnią formy przenika go jednak dyskretna nić znaczeń.

Scenariusz i reżyseria: Marcin Herich

Współpraca choreograficzna: zespół

Występują: Alina Bachara, Zuzanna Łapka, Karolina Wosz, Marta Zielonka

Muzyka: Barbara Strozzi, Fetisch Park, Gas, Kato Hideki, Mr Geoffrey & JD Franzke, Paul Schütze, Social Interiors
Premiera: 17 lutego 2023

Zdjęcie: Maciej Dziaczko



22.06 czwartek
20:00 Teatr Korez
TYGR V TISNI (Czechy)
Zlín
[teatr lalki i przedmiotu]
Bilety w cenie 60 zł do nabycia w kasie Teatru Korez.
Rezerwacje: web@korez.art.pl.

Tygr v Tisni to niezależny zespół teatralny, powstały w 2010 roku w Pradze. Teatr bada fundamenty, na których zbudowane jest współczesne społeczeństwo europejskie, jego kultura, od których ostatecznie zależy jego przetrwanie. Często znajduje tematy do swoich spektakli w tekstach, które nie są dramatyczne, odnajdując literackie ciekawostki, cenne materiały autentyczne, odkrywając dramatyczne historie XX wieku. Poprzez adaptacje literatury biograficznej i autobiograficznej przybliża widzom współczesne spojrzenie pisarzy na historię polityczną i kulturową. Przekłada teksty na formę sceniczną, która wykracza poza konwencjonalne reguły teatru dramatycznego. Eksperymentuje z formą kabaretu, montażu, site-specific, wykładu scenicznego, teatru muzycznego i teatru przedmiotu, a swoje produkcje umieszcza często w niekonwencjonalnych przestrzeniach i miejscach.

„Zlín” to spektakl lalki i przedmiotu o życiu miasta Zlín w czasach Tomáša Baťy. Miasto miało realizować koncepcję idealnego miasta przyfabrycznego. Zabudowano je charakterystycznymi budynkami z czerwonej cegły w stylu międzywojennego modernizmu i funkcjonalizmu. Spektakl opowiada o życiu codziennym w mieście, które jest funkcjonalne, nowoczesne, uniwersalne, modelowe, rutynowe i wydajne. Codziennie takie samo, aż do momentu, gdy do systemu wkradnie się błąd…
„Zlín” został zaprezentowany podczas tegorocznego festiwalu teatru niezależnego Mała Inventura w Pradze, gdzie był jednym z najlepszych przedstawień tegorocznej edycji imprezy.

Reżyseria: Marta Hermannová
Scenografia: Iva Ščerbáková
Współpraca przy scenografii: Dominik Migac Muzyka: Vojtěch Cibulka
Wykonawcy: Anna Datiashvili, David Bolech
Dramaturgia: kolektyw
Głos: Marek Bečka
Produkcja: Adam Bureš
Premiera: 16 września 2022

Zdjęcie: materiały prasowe



23.06 piątek
20:00 Sala teatralno-kinowa, Pałac Młodzieży
BURKICOM (Czechy)
Ostrov!
[teatr tańca/nowy cyrk]
Bilety w cenie 70 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Burkicom to jeden z wiodących czeskich zespołów teatru fizycznego, założony w 2015 roku przez wybitną choreografkę Janę Burkiewiczovą. Jej unikalny styl, wzbogacony o współpracę z czołowymi czeskimi projektantami i artystami, przynosi wyrazisty, ekspresyjny teatr, będący połączeniem tańca współczesnego, teatru fizycznego i nowego cyrku, poruszający aktualne tematy społeczne. Macierzystą sceną Burkicomu jest industrialna przestrzeń La Fabrika w praskich Holešovicach, ale produkcje zespołu zostały docenione przez publiczność także na wielu festiwalach teatralnych i tanecznych, od brneńskiego Svět divadla i południowokoreańskiego PAMS Seoul, po indonezyjski SIPA, niemiecki Fringe Recklinghausen i holenderski ARFF Amsterdam.

„Tańczymy, aby powiedzieć więcej niż słowa. Mówimy, aby pokonać cień gestu. Obraz jest dla nas równie ważny jak przekaz. Taniec to lot rajskiego ptaka, krzyk i wymiana myśli. Poprzez teatr próbujemy zrozumieć społeczeństwo, w którym żyjemy.”
Burkicom

Spektakl „Ostrov!” („Wyspa!”), rewelacja ostatnich sezonów tanecznych w Czechach, to perfekcyjna artystycznie, energetyczna i ekstatyczna egzystencjalna wyprawa teatralna w dziewiczą naturę. Spektakl otrzymał nominację do nagrody Theatre Newspaper Award, nominację do nagrody Thália, a na gali Theatre Critics Awards 2021 znalazł się w gronie pięciu najlepszych produkcji 2021 roku. Na gali Theatre Critics Awards była też najwyżej ocenianą produkcją taneczną w Czechach.

„Tematy środowiskowe coraz częściej przenikają do wiadomości, dyskusji politycznych i naszego codziennego życia, ale o czym tak naprawdę mówimy? O jakiej naturze? O lesie, do którego chodzimy na grzyby i porywa nas jego spokój? Co to za dzicz, skoro z ogólnej masy ssaków tylko 4% żyje na świecie naprawdę swobodnie, 36% to ludzie, a 60% to zwierzęta trzymane w niewoli dla naszej rozrywki lub jako pożywienie? A czym jesteśmy w stosunku do natury, jeśli jesteśmy jej częścią? Staraliśmy się stworzyć model sytuacji, rodzaj laboratorium, w którym wstawia się poszczególne elementy, ustala warunki i pozwala fabule się rozwijać. Skojarzenia, nawiązania, ale i realne sytuacje zaczęły pojawiać się swobodnie i generować dalszy rozwój. Przełamaliśmy granicę i przestaliśmy dostrzegać, kto jest człowiekiem, a kto zwierzęciem. Kontury przyszłości stały się wyraźniejsze.”
Jana Burkiewiczová

Reżyseria, choreografia: Jana Burkiewiczová
Scenarzyści: Jana Burkiewiczová, Tomáš Luňák, Jiří Macek Muzyka: Jiří Konvalinka
Scenografia: Jaroslav Wertig
Light design: Pavla Beranová
Kostiumy: Barbora Procházková
Maski: Štěpán Růžička
Ilustracje: Jindřich Janíček
Animacje: Tomáš Luňák, Tomáš Hájek
Światła, projekcje: Petr Taclík
Dźwięk: Filip Jiskra
Fotografie: Václav Jirásek
Grafika: Martina Černá / Imagery
Głosy przewodników: Zuzana Stavná, Miroslav Krobot
Performerzy: Helena Arenbergerová, Maxime Guenin/ Jaro Ondruš, Michal Heriban, Eduard Adam Orszulik, Adam Pavlovčin, Ariadne Toumbeki/ Lorenzo Giovanetti, Ifigenia Toumbeki/ Pavlína Šmatláková, Veronika Tököly
Powstanie spektaklu zostało wsparte dotacjami: Ministerstwa kultury ČR, Urzędu Miasta Pragi oraz Art District Praha.
Premiera: 8 listopada 2021

Zdjęcie: Václav Jirásek



24.06 sobota
13:00-16:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
MARTA LADJANSZKI & ZSOLT VARGA (Węgry)
Kreatywny plac zabaw dla dorosłych
[warsztaty taneczno-ruchowe]
Bilety w cenie 80 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Márta Ladjánszki studiowała balet klasyczny, gimnastykę oraz taniec jazzowy i nowoczesny w Budapeszcie i Wiedniu. W 1996 roku była współzałożycielką zespołu teatru tańca współczesnego KOMPmÁNIA, w którym Ladjánszki pracowała zarówno jako performer, jak i współchoreograf. W 2001 roku wstąpiła do budapesztańskiego Stowarzyszenia L1 i od tego czasu pełni w nim funkcję wicedyrektora artystycznego. Po 20 latach bycia niezależną choreografką i tancerką, w 2015 roku ukończyła Węgierską Akademię Tańca jako tancerka współczesna i lider prób. O pracach choreograficznych Márty Ladjánszki napisano: „Jej inspiracja pochodzi bezpośrednio z samego ciała i przekształca wewnętrzne myśli w to, co widzialne. Ladjánszki mocno wierzy, że wszyscy jesteśmy różni (nie tylko fizycznie) i to wzbogaca nasze życie. Dlatego w każdym tworzonym przez siebie utworze celebruje ciało.”  Ladjánszki podziela opinię Mary Starks Whitehouse, tancerki i pedagożki, twórczyni praktyki „ruchu autentycznego” i „tańca w głąb”, iż: „ciało jest widoczną reprezentacją osobowości.”

Zsolt Varga jest muzykiem, kompozytorem, multiinstrumentalistą, artystą dźwięku i ruchu w Budapeszcie na Węgrzech, od 2011 roku prezesem Stowarzyszenia L1.

Zajęcia potrwają 3 godziny i poprzez wykorzystanie różnych technik tańca współczesnego oraz ćwiczeń improwizacyjnych każdy z uczestników będzie miał szansę skupić się na samym sobie i własnym ciele oraz pracować ze swoimi ograniczeniami. Warsztaty przeznaczone są dla wszystkich osób dorosłych i młodzieży, bez względu na ich wcześniejsze kompetencje teatralne, ruchowe lub taneczne. Prosimy o przyniesienie ze sobą wygodnego, swobodnego stroju do ćwiczeń.
Otwartość na samego siebie i innych, z otwartym sercem, myślami i ciałem jest więcej niż mile widziana.
Marta i Zsolt

Zdjęcie: materiały prasowe



24.06 sobota
18:00 Boisko Uniwersytetu Śląskiego
MAGI SERRA & ANAMARIA KLAJNSCEK (Hiszpania, Słowenia)
COSSOC
[teatr tańca/nowy cyrk]
Wstęp wolny.

Magí Serra jest katalońskim tancerzem. Ukończył studia w Salzburg Experimental Academy of Dance w 2009 roku. Mieszka i pracuje w Barcelonie, współpracując z licznymi teatrami i choreografami katalońskimi oraz przygotowując przedstawienia autorskie. W 2021 roku zrealizował z tancerką Anamarią Klajnšček duet „COSSOC”.

Anamaria Klajnšček jest słoweńską performerką. Studiowała w Amsterdamie (AHK), a następnie pracowała dla niemieckiego zespołu TanzMainz. Pracowała jako freelancer z różnymi choreografami (m. in. Roser López Espinosa, Pere Faura, Guy Nader & Maria Campos), przygotowuje także własne prace teatralne.

„COSSOC” to katalońsko-słoweński duet tancerzy, prezentujących swoje prace w przestrzeniach otwartych. Hipnotyczna choreografia wypełniona jest sugestywnymi obrazami tego, co mogą zrobić dwa ciała będące w ciągłej równowadze.
„COSSOC” to ruchowe badanie złożoności i prostoty relacji. Poprzez nawiązanie intymnej relacji tancerze tworzą silną więź, dzięki której docierają do otoczenia i integrują się z przestrzenią.
„COSSOC” prowadzi widza drogą wyciszenia i wsłuchania się, być może po to, żeby odnaleźć przestrzeń, w której będzie można poczuć się swobodnie.

Kreacja, reżyseria i wykonanie: Anamaria Klajnšček & Magí Serra
Kompozytor: Santi Careta
Wsparcie produkcyjne: ElClimamola
Dystrybucja: Fani Benages
Koproducenci: Fira Tàrrega, El Graner Creation Centre, Roca Umbert Creation Centre
Wsparcie: La Visiva, C.C. la Barceloneta, Festiwal Danseu, Figueres es MOU, Departament Kultury Generalitat de Catalunya
Specjalne podziękowania dla: Rosera Lópeza Espinosy, Joany Serry, Nory Baylach, Uršy Sekirnik i Adrii Pinar
Premiera: 9 kwietnia 2021

Zdjęcie: materiały prasowe



24.06 sobota
20:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
CIE. MARTA LADJANSZKI (Węgry)
UMARMUNG
[teatr tańca, eksperyment] +18
Uwaga! Spektakl naturystyczny. Obligatoryjna nagość widzów.
Bilety w cenie 70 zł.
Wstęp wyłącznie po wcześniejszej rezerwacji i wykupienia miejsca.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

„Odlew nie jest tak naturalny jak moja rzeźba; jestem w stanie zachować pozę w moim umyśle znacznie lepiej niż model, a dodatkowo dodaję do niej wewnętrzne życie.”
Auguste Rodin

„UMARMUNG” miał premierę w Bakelit Multi Art Center w ramach „Be SpectACTive!”, pięknie wpisując się w ten projekt, którego celem było zaangażowanie obywateli i widzów w procesy twórcze i organizacyjne oraz zbliżenie się do idei bardziej inkluzywnego i transkulturowego społeczeństwa oraz silniejszych relacji między obywatelami i artystami.

„UMARMUNG” już od początku procesu twórczego skupia się wokół powyższego. Lokuje się w przestrzeni, gdzie granice między wykonawcami a publicznością stopniowo zanikają, aż do momentu, gdy publiczność zamienia się w wykonawców i odwrotnie.

„UMARMUNG” jest dojrzałym etapem ciągłych badań, opartych na trzech tematach:

– środki podjęte z powodu ostatniej pandemii powodują, że ludzki dotyk znika, nabiera wartości, przekształca się (rozpoznanie, przemyślenie sytuacji emocjonalnych i sensorycznych, formułowanie nowych pytań);
– badając rzeźby Auguste Rodina skupiamy się na ich sposobie uchwycenia pasywnego i/lub aktywnego stanu ciał, które portretują;
– czym są nasze (ludzi, artystów) relacje z ciałami i czy w ogóle istnieje sposób na oddzielenie wszystkich form naszego materialnego istnienia?

Witalne, dramatyczne, namiętnie uformowane, bogate emocjonalnie dzieła Rodina stanowią kontrapunkt dla historyzmu, od którego zaczyna się współczesna rzeźba. Rozpoczął on swoją karierę jako samouk, ponieważ trudno mu było znaleźć kręgi, które akceptowałyby jego wizję. Staraliśmy się czerpać inspirację z najpopularniejszych dzieł Rodina, m. in. Przyczajona kobieta, Katedra, Wiek brązu, Stara kurtyzana, Wieczna wiosna, Myśliciel, Pocałunek, Paolo i Francesca, Głowa smutku.

Podczas procesu twórczego korzystaliśmy z różnych doświadczeń artystycznych uczestników, wywodzących się ze środowisk związanych z fotografią, muzyką, sztuką performance i tańcem. Ciała poruszają się, a każda chwila staje się potencjalną, choreograficzną częścią spektaklu.

Wydarzenie jest częścią „Serii występów tanecznych z nagą publicznością”, realizowanych przez Stowarzyszenia L1 we współpracy z Wirtualnym Stowarzyszeniem Naturystów (NaVKE).

Koncept i choreografia: Márta Ladjánszki
Wykonawcy i partnerzy w procesie twórczym: Attila Dániel, Tímea Györke, Márta Ladjánszki, Eszter Mórocz
Współtwórcy: widzowie
Kompozytor i muzyk: Zsolt Varga
Premiera: 2021

Spektakl współtworzyli także: László Árva, László Gálos, Tímea Györke, Emese Kovács, Zsófia Szász. Specjalne podziękowania: Zsolt Koroknai, István Kovács, Balázs Lajti, Kinga Szemessy, Syporca Whandal. Wsparcie: Stowarzyszenie L1, EMMI, Departamenty Programowe NKA Dance i Zoltán Imre, Bakelit MAC, NaVKE.

Zdjęcie: materiały prasowe



25.06 niedziela
18:00 Sala 211, Katowice Miasto Ogrodów
VIA NEGATIVA (Słowenia)
100 Toastów
[performens] +18
Bilety w cenie 40 zł do nabycia przed przedstawieniem.
Rezerwacje: rezerwacjeapart@wp.pl.

Via Negativa to platforma do badań, rozwoju i produkcji współczesnych sztuk performatywnych. Obszar twórczych zainteresowań kolektywu Via Negativa sprowadza się do podstawowych elementów scenicznych (via negativa) i koncentruje się na relacji między wykonawcą a widzem (pomiędzy tym, co jest pokazywane a tym, co jest widziane) oraz na kwestii realności w tej relacji.

„100 toastów” to autentyczna celebracja, podczas której publiczność zaproszona jest nie tylko do konsumpcji wytrawnego wina, ale i do świętowania osiągnięć i porażek postaci, które miały fundamentalny wpływ na naszą wspólną historię. Pierwszy pokaz „100 toastów” odbył się w Lublinie z okazji setnej rocznicy urodzin Tadeusza Kantora.
W Słowenii publiczność wznosiła toasty ku czci wielkiego romantycznego poety i propagatora słoweńskiego języka, Franca Preserena.
Z kolei w Rzymie artystka i widzowie świętowali wielkość geniuszu twórcy Boskiej Komedii, Dantego Alighieri.
„100 toastów” prezentowane w Nowym Jorku poświęcone było figurze ojca amerykańskiej demokracji, prezydenta Georga Washingtona.
Toasty wznoszone w Zagrzebiu odnosiły się do postaci ważnej dla byłej Jugosławii i współczesnych Bałkanów – publiczność wraz z artystką czcili pamięć Josipa Broz Tito.
„100 toastów” to kolektywna celebracja kulturowego konsumeryzmu. Świętujemy to, co kochamy; pijemy za to, czego nie akceptujemy; spożywamy ze smakiem wszystko, co jest nam zaoferowane. Wszystko po to, żeby narodowy pokarm mógł ulec ostatecznemu strawieniu. Na zdrowie!

Choreografia i wykonanie: Anita Wach
Koncepcja i reżyseria: Bojan Jablanovec
Muzyka: Glenn Miller, Michael Nyman, The Stooges, Alfred Schnittke
Producentka: Spela Trost
Premiera: 4 grudnia 2015

Zdjęcie: Marcandera